The Yellow Sea (Hwanghae, 2010)

Película Sur Coreana, dirigida por Na Hong-jin , director de The Chaser (Chugyeogja, 2008). Narra la historia de Gu-nam, un taxista que apenas se gana la vida en la provincia China de Yambian, ubicada entre Rusia y Corea del Norte.

Al perder su trabajo, acosado por los prestamistas y sin posibilidad de llevar una vida digna, Gu-nam decide emprender rumbo a Seul, en búsqueda de su esposa quien partió unos años antes como avanzada para abrir camino a una mejor existencia de ambos y de su pequeño hijo. Pero Gu-nam no ha tenido noticias de su esposa en mucho tiempo y teme que esta tenga otra pareja.

Desesperado y ante la imposibilidad de costearse un pasaje, acepta el ofrecimiento de Myun Jung-hak (Kim Yoon-seok), un mafioso local, de pagarle un viaje en tren a Seul para asesinar a un empresario a cambio de una suculenta suma. Gu-Nam acepta y una vez instalado en Corea del Sur pasa mucho tiempo preparándose para el momento del asesinato observando a su víctima y planificando hasta el mínimo detalle mientras al mismo tiempo va averiguando acerca del paradero de su mujer.

Stoker (2013)

Park Chan-Wook aterriza en la industria americana con este thriller psicológico inteligentemente narrado, en tono de cuento para niños subido de tono, pero sin el fin de enseñanza moral que justificaba la violencia en esos relatos.

Al contrario, aquí el tema central es el proceso mediante el cual India Stoker la adolescente protagonista va conociéndose a si misma y paso a paso va dejando salir al monstruo en el que finalmente se convertirá, proceso gatillado por su tío Charlie, que llega a alterar el aparente equilibrio familiar luego de la muerte del padre de India.

A poco andar, sabemos que Charlie es un asesino cuya influencia en India la va transformando en una especie de versión mejorada de su tío en el ejercicio del mal, debido a su inteligencia superior y a las enseñanzas de su fallecido padre, quien la introdujo en el arte de la cacería.

Como suele ser en el cine de Park Chan-Wook, el tono y el ritmo de la narración son más bien pausados, con una fotografía muy cuidada y planificada (a cargo de Chung-hoon Chung). El tono cromático de la película está al servicio de la narración y la violencia se expresa a través de chorros de sangre, como es tradicional en cierto tipo de cine oriental.

Las actuaciones están bastante bien, sobre todo la de Mia Wasikowska (India) y como siempre Nicole Kidman no decepciona, pero es el tono y el arte de la película lo que más llama la atención.

Este es uno de los pocos ejemplos en los que un director extranjero en Hollywood puede mantener su estilo narrativo. Por eso no va a decepcionar a sus seguidores.

El Harpa Birmana (ビルマの竪琴, Biruma no tategoto, The Burmese Harp, 1956)

El cineasta japonés Kon Ichikawa (Fires on the Plain, 1959) y su esposa la guionista Natto Wada, adaptaron para el cine en 1956 una popular novela del escritor Michio Takeyama, que recogía el espíritu anti bélico que imperaba en Japón en los años posteriores a la guerra y la transformaron en la poética película titulada El Harpa Birmana, que se convirtió en la más popular y taquillera realizada por Ichikawa. La película le valió al director fama internacional y numerosos premios, siendo incluso nominada al Oscar a la mejor película extranjera.

En la restaurada edición en DVD de Criterion Collection es posible ver una entrevista al director en la que narra cómo fue el proceso de adaptar la novela, para lo cual él y la guionista tuvieron que eliminar el tono un tanto ingenuo de la novela y añadirle el dramatismo propio de una película de guerra.

El Harpa Birmana narra la historia de un pelotón del ejército japonés que se encuentra en las selvas de Birmania al terminar la segunda guerra mundial. Japón está a punto de capitular y el capitán Inōye ordena a su pelotón entonar canciones populares para elevar la moral de la tropa. Esto lo hace aprovechando la habilidad del soldado Mizushima (Shojii Yasui) para tocar un harpa que lleva consigo para todos lados. Esta práctica musical es lo que les salva la vida una vez terminada la guerra, ya que al oir la música, el pelotón inglés con el que se han topado evita abrir fuego.

Una vez perdida la guerra y cuando ya se encuentran prisioneros de los británicos, a Mizushima se le encomienda la misión de ir a convencer de rendirse a otro pelotón japonés que se encuentra atrincherado en una colina y que se niega a hacerlo. A Mizushima se le indica que si no logra su cometido, ese pelotón será acribillado, cosa que finalmente sucede a pesar de los esfuerzos del soldado, quien resulta herido y es dado por muerto.

Mizushima es rescatado por un monje budista quien lo alimenta y le presta primeros auxilios, pero el soldado al despertar solo ve un medio de volver rápido a su pelotón, por lo cual le roba las vestimentas al monje y se adentra en la selva disfrazado. En el camino va encontrando los cadáveres de sus compatriotas esparcidos por doquier, experiencia que lo transforma profundamente, puesto que sin explicación alguna, decide no volver a su pelotón y en lugar de ello se adentra nuevamente en la selva como un monje budista con la idea de enterrar los cuerpos de los japoneses que han quedado a la intemperie.

Cuando sus compañeros casi se han resignado a la idea de que Mizushima  ha muerto, un día se lo topan caminando vestido de monje, pero al no dar éste señales de reconocimiento, dudan si se trata de la misma persona. De este modo la película se aleja del tema bélico propiamente tal y se va armando una historia en torno a la tensión que se crea por la ansiedad de los soldados de encontrar a Mizushima a toda costa antes de tener que embarcarse de vuelta a Japón. Como espectadores no entendemos la extraña actitud de Mizushima de no querer ser encontrado por sus camaradas, hasta casi el final cuando a bordo del barco que los lleva de vuelta a Japón, Inōye lee a su pelotón la carta que les ha dejado Mizushima como despedida.

La película está filmada en blanco y negro a pesar de que en el año en que se filmó ya se usaba la película a color, no obstante Ichikawa acertadamente desechó esta posibilidad, ante la dificultad que implicaba acarrear el costoso equipo a la locación donde se filmó la película (que no fue en Birmania, salvo por algunas escenas de templos budistas). A pesar de los excelentes resultados, Ichikawa hizo un remake en color de la cinta en 1985, no logrando los resultados de la original.

El Harpa Birmana habla sobre el compañerismo y la lealtad a toda prueba que surge entre los hombres que han convivido y sobrevivido situaciones traumáticas y es un ejercicio de contraste entre la belleza de la vida y la brutalidad de la guerra. De hecho, la película está bellamente fotografiada, la historia está narrada a un ritmo pausado que invita a la reflexión, hay personajes y situaciones humorísticas, pero al mismo tiempo es bastante gráfica a la hora de mostrar los estragos físicos y psicológicos de la guerra.

Director: Kon Ichikawa
Productor: Masayuki Takagi
Escrita por: Michio Takeyama (novela), Natto Wada
Protagonistas: Rentarō Mikuni, Shoji Yasui, Jun Hamamura
Estudio: Nikkatsu
Fecha de estreno (parte 1) 21 Enero 1956; (parte 2) 12 Febrero 1956 (Japón)

Yi Wu Si Er (Back to 1942)

Esta película realizada el año 2012 en China por el taquillero Feng Xiaogang, aporta una mirada complementaria al tema del conflicto chino japonés que ha sido abordado antes en cintas como Nanking, Nanking (Lu Chuan, 2009), The Flowers of War (Zhang Yimou, 2011) y Lust Caution (Ang Lee, 2007)

En esta oportunidad, se trata de una millonaria producción donde no se escatiman esfuerzos en representar de la manera más explícita posible el sufrimiento del pueblo chino en una guerra que se encarnizó con la población civil, tal vez como ninguna antes.

La película narra la historia de los habitantes de la provincia de Henan en China, quienes durante la guerra debieron dejar sus tierras a causa de la escasez de alimentos, para dirigirse en caravana hacia la sede del Gobierno central, donde supuestamente el general Chiang Kai-shek los ayudaría con refugio y alimentos.

Pero en lugar de ello, a medio camino se ven atrapados entre el ejercito chino que huye de la invasión japonesa y las tropas niponas. El hecho histórico documenta la muerte de unos tres millones de civiles a causa del hambre, el frío y los bombardeos.

La película se centra en la historia del maestro Han, un cincuentón acomodado que guarda víveres en su hacienda en la provincia de Henan y que a causa de ello es asaltado por una turba hambrienta. Despojado de sus bienes, debe abandonar la provincia junto a otras miles de personas que hacen lo mismo en busca de alimento y refugio. La travesía se va tornando cada vez más y más dura a medida que el invierno llega y que la guerra se va tornando desfavorable para China.

El frío, el hambre extrema, las enfermedades y la insensibilidad del Gobierno llevan las cosas hasta el extremo del canibalismo, lo que es denunciado infructuosamente por el fotógrafo y periodista Theodore H. White (Adrien Brody).

Si bien la película es efectiva en transmitir la angustia del sufrimiento extremo de los civiles y la impotencia ante la enorme insensibilidad de las autoridades, ello se logra fundamentalmente con recursos visuales y situaciones melodramáticas, no aprovechando inteligentemente otros recursos cinematográficos para transmitir el horror de la guerra.

Del mismo modo, la puesta en escena resulta algo mediocre a pesar del impresionante despliegue de extras, lo que atenta contra la intensidad del drama.


Año: 2012

País: China
Director: Feng Xiaogang

Guión: Zhenyun Liu 

Música: Jiping Zhao

Fotografía: Yue Lü

Reparto: Tim Robbins, Adrien Brody, Daoming Chen, Fan Xu, Hanyu Zhang, Alfred Hsing, Alec Su, Mo Zhang, Xuejian Li, Guoli Zhang, Ziwen Wang, Yihong Duan, Wei Fan, Guoqiang Zhang, Zhenyu Qiao

Outrage Beyond (Autoreiji: Biyondo, 2013)

Continuación de Outrage, la brutal cinta del 2010 dirigida por Kitano, esta secuela más moderada en el despliegue de muertes y violencia que su predecesora, narra los hechos que ocurren unos años después de que el clan de Sanno se ha hecho con el control de los territorios en disputa luego de haber eliminado a punta de balas y cuchillos a su competencia en la película anterior.

La película comienza con la policía de Tokyo sacando del mar un auto que contiene los cadáveres de un detective y una prostituta, asesinados por la yakusa. Este hecho hace presagiar al policía Kataoka, que el clan Sanno se está desmidiendo en sus ansias de poder, por lo cual decide tomar cartas en el asunto e iniciar una serie de intrigas al interior de diversos clanes mafiosos con el fin de que entre ellos se destruyan y de esta manera restituir un cierto equilibrio de poderes.

Mega monstruos, de Tokio a N.Y.

A la izquierda, Gappa (1967) de Nikkatsu Co, fue el único intento de la productora por competir con Tohei en el terreno del Kaijú. A la derecha, Titanes del Pacífico (2013) la particular visión de Guillermo del Toro sobre el género.

Kaijú, es el nombre que los japoneses le han dado al género de peliculas de monstruos gigantes que destruyen ciudades pisoteándolas y vomitando sobre ellas fuego radiactivo, reduciéndolas a cenisas. Es el paroxismo de la destrucción,  llevado una y otra vez al cine desde que en 1954 debutara el monstruo Godzilla (Gojira) de la mano de los estudios Tohei, destruyendo Tokio.

The Grandmasters (代宗師, 2013)

The Grandmasters es la más reciente película dirigida por Wong Kar-wai  en la cual explora desde su particular punto de vista el mundo de las artes marciales.

Narra la vida del legendario Ip Man (Yip Man), maestro chino que vivió entre los años 1893 y 1972, que se hizo famoso por popularizar el Wing Shun (variante del Kung Fu) y por haber sido el maestro de Bruce Lee entre otros.

Si bien la película pertenece al género de las artes marciales y a pesar de que contiene su buena cuota de peleas muy bien coreografiadas, es sin duda alguna una película de autor, perteneciente al mundo de Wong Kar-wai y heredera de sus dos cintas cúspide, Con ánimo de Amar (2000) y 2046 (2004)

Protagonizado por Tony Leung y Zhang Ziyi (El Tigre y el Dragón), el filme está bellamente narrado. El director hace una sugerente recreación de la época en la que tienen lugar los hechos, con una iluminación y un ritmo que invita a la meditación más que a la acción, destacándose la banda sonora, que incluye una partitura compuesta por Ennio Morricone para Erase una vez en América (Sergio Leone, 1984), muy apropiada para el tono nostálgico que impregna todo el metraje.

Damas del Mar (Umi wa miteita, 2002)

Al igual que Después de la lluvia (1999), Damas del Mar (también conocida como El Mar que nos Mira) es una película de Akira Kurosawa que el maestro no alcanzó a filmar, pero de la cual dejó el guión y numerosos bocetos o Story Boards, tan ricos en detalles que son por muchos considerados obras de arte.

Le película fue llevada a la pantalla por el fallecido Kei Kumai en el año 2002, con resultados interesantes.

El argumento tiene lugar en el Japón del siglo XIX, en el ocaso de la era Edo, de los Samurai y los señores feudales. La historia transcurre en un prostíbulo y sus protagonistas son las prostitutas de un pueblo y su día a día tratando de ganar el dinero suficiente para mantenerse en el negocio.

Una Bala en la Cabeza (Die xue jie tou, 喋血街头, 1990)

Una Bala en la Cabeza es una de las películas realizadas en la cumbre de su carrera por el ultraviolento y alguna vez americanizado cineasta chino John Woo.

La cinta narra una historia que gira en torno al tema preferido del cineasta, los lazos fraternos, la amistad puesta a prueba, en este caso de los balazos que el trio protagonista da y recibe a lo largo de los 128 minutos que dura la película. (existe una versión "Director's Cut" de unas tres horas de duración)

Se trata de una de sus cintas mejor logradas, en la que hace gala de los elementos típicos que caracterizan su filmografía, esto es, un generoso despliegue de violencia con coreografías muy bien elaboradas, en cámara lenta muy al estilo de Sam Peckimpah y con situaciones un tanto exageradamente melodramáticas, pero que en el contexto de lo inverosímil de toda la linea argumental de la película, no molesta tanto.

La historia es la de un grupo de amigos en el Hong Kong de los años 60, que a causa de un asesinato cometido por accidente, deben huir del pais. Se van a Vietnam, donde según ellos es posible hacer dinero fácil, pero terminan enfrentados unos a otros a causa del dinero y del vietcong que los persigue por sospecha de espionaje. Uno de ellos termina manejando un imperio de drogas a costa de haber traicionado a los otros dos, con lo cual queda configurada la venganza y enfrentamiento final de características épicas, que es otro sello de este cineasta.

Hay muchas situaciones de peligro, sufrimiento físico y psicológico, traiciones y venganzas a lo largo de los años en los que se va desenvolviendo la trama. Por su complejidad, se trata de una de las películas mejor logradas por John Woo, con la cual ayudó a consolidar el género de películas Hongkonesas muy violentas, junto a otros directores como Ringo Lam, Johnnie To (e incluso un incipiente Wong Kar Wai que después tomaría otros rumbos) que hicieron de las suyas durante los 80 y 90.

Carmen vuelve a casa (Karumen kokyo ni kaeru, 1951)

Carmen Vuelve a Casa es una película de la postguerra. Pertenece al género de comedias satíricas que se popularizó en los años inmediatamente posteriores a la guerra en Japón, caracterizado por cintas con un elevado contenido de crítica a las actitudes tradicionales de japón (exacerbado apego a costumbres ancestrales,  belicismo y moralismo anacrónicos) y el advenimiento de la modernidad bajo la forma de gustos y costumbres occidentales.

Carmen Vuelve a Casa, trata de una chica que vuelve su lugar de origen en una zona rural de japón, con la finalidad de visitar a sus padres. Carmen se ha ido hace unos años a vivir a Tokyo en busca del éxito y su padre no ha sabido (ni ha querido saber) más de ella . Nadie en el pueblo sabe exactamente a qué se dedica Carmen (su nombre artístico) en la capital, y ella sólo explica que es una "artista" y que se dedica a temas "culturales".

La Balada de Narayama

La balada de Narayama es un cuento tradicional japonés que gira en torno al tema del cambio generacional, el auto sacrificio y la decadencia moral de un pueblo.

La historia transcurre en una zona rural en el japón pre moderno (siglo XVIII o XIX), época en la cual las personas debían luchar por el sustento diario
valiéndose de su fuerza física para cazar y cosechar la tierra. Por lo tanto, no era fácil la vida cuando se llegaba a la vejez y no se podía aportar a la comunidad. La tradición local dictaba que al llegar a los setenta años, las personas debían ser conducidas a lo alto del monte Nara para dejarlos ahí a la intemperie hasta morir y servir de alimento a las aves de rapiña. Este es el destino, el curso natural de las cosas en esta pequeña comunidad.

La historia se centra en la anciana Orín, madre de Tatsue quien es el lider de la comunidad. Orín considera que ya ha llegado a la edad en la que le corresponde morir, no obstante goza de excelente salud y ni siquiera ha perdido su dentadura, lo que la hace sentirse culpable por seguir consumiendo los recursos que deberían estar completamente destinados a su hijo y su cuñada, quienes aún están en edad de tener más hijos que aporten al sustento familiar. Por esta razón, Orín decide apresurar las cosas, machacándose los dientes contra una piedra. De esta manera deberá ser conducida a su muerte en el monte Nara.

El postmodernismo y el cine oriental

En la numerosa literatura existente sobre historia del cine, la segunda guerra mundial es descrita como el momento a partir del cual comienza a desarrollarse un "nuevo cine" o "cine moderno" en oposición al cine clásico que hasta entonces se venía haciendo en los estudios, restringido a los convencionalismos y reglas comerciales de un sistema industrial y dónde no se concebía al cine en su calidad de arte.

Este "nuevo cine", estaba libre de convencionalismos y esteticismos, muchas veces sin recurrir a actores, filmado en la calle y no en estudios, sin trucos de montaje ni aparatosos movimientos de cámara. Los cineastas de esa época pretendían mostrar la realidad, retratando la vida a través de situaciones cotidianas, donde ya no cabía esperar héroes o heroinas, sino a personajes atormentados, marginales y muchas veces alienados.

Era el Neorrealismo de De Sica, Visconti y Rosellini, que más tarde inspiró en Francia a Truffaut, Resnais, Varda, Godard y otros en la llamada Nouvel Vague en los 60's, en una Europa que despertaba a un nuevo mundo.

Donald Richie; Cien Años de Cine Japonés.

Donald Richie, fallecido en febrero pasado en Tokyo, es uno de los académicos occidentales más citados y respetados al momento de referirse a estudios sobre diversos aspectos del cine japonés. Llegó a la isla en la segunda guerra mundial permaneciendo allí como parte de las fuerzas de ocupación.

Fue cautivado por el cine y la cultura de Japón, lo que le llevó a convertirse en ensayista sobre cine y arte japoneses. Con residencia en la Isla, se trasformó en una suerte de embajador cultural no oficial de Japón, promoviendo entusiastamente el cine nipón en los EEUU a través de numerosos libros, ensayos y entrevistas.

Los monstruos del cine sur coreano

Desde la consagración del cine sur coreano como industria a principios de los 90, posible gracias a una ingente cantidad de fondos estatales destinados a poyar su nacimiento, ha pasado mucha agua y muchas películas bajo el puente. A estas alturas el cine sur coreano cuenta a su haber con ejemplos más que respetables en casi todos los géneros existentes.

Existen ejemplos en la ciencia ficción, el cine bélico (muy prolífico gracias al eterno conflicto con el norte), el terror y un tipo de cine que podría considerarse un subgénero dentro de este último, el de asesinos, secuestradores, depravados sexuales en todas sus formas y variantes, que han poblado las pantallas coreanas tal vez más que en ningún otro país.

Sería interesante aventurar hipótesis que expliquen porqué en este país son tan populares este tipo de historias. Tal vez haya más casos de secuestros y asesinatos en Corea del sur que en otos países, pero no hay razones que hagan pensar eso. Tal vez tenga relación con la permanente amenaza de guerra con el norte (el terror proliferó en Hollywood en los años de la guerra fría). O tal vez simplemente se trate del simple morbo al cual se apela en mayor o menor medida para hacer rentable una película cuyo verdadero tema central a veces va por otro lado.

Nagisa Oshima, la muerte de un iconoclasta

¿Qué pueden tener en común David Bowie, Takeshi Kitano y Jean-Claude Carrière, guionista de Luis Buñuel?, ademas de estar los tres ligados al cine, los tres tienen en común haber trabajado para Nagisa Oshima, uno de los grandes inconformistas, enfant terrible del cine japonés, muerto esta semana.

Recordado por haber escandalizado al mundo y haber puesto a prueba los límites de la censura en varios países con su aún hoy censurada El imperio de los sentidos (1976), Oshima más que un provocador era un inconformista, un cineasta hastiado de las convenciones del cine japonés y que se propuso, al igual que como lo hicieron otros inconformistas en los 60 en Francia, cambiar, subvertir las reglas del juego con que se hacía cine en Japón.

Oshima es un cineasta cuya motivación inicial para hacer cine estaba radicada en los movimientos políticos que tuvieron lugar también en Japón en la década del 60, en un proceso muy similar al acontecido en Europa, particularmente en Francia.